Abbiamo intervistato questi incredibili artisti, in anticipo rispetto a questo momento storico, ha chiesto loro di Eseguire l'archivio, e ha acquisito alcune conoscenze sul perché fanno quello che fanno.
1. Come vi sentite a riflettere sulla vostra carriera nell'ambito di Eseguire l'archivio? È qualcosa che fa spesso parte del suo lavoro o è un artista che tende a concentrarsi sul futuro?
Jill Orr: Nel corso degli anni ho tenuto molte conferenze per artisti ma Eseguire l'archivio è un'opportunità unica di parlare con una persona a un livello mirato e personale. Mi viene in mente la frase di Marina Abramovic L'artista è presente. Spero che anche questo porti nuove connessioni e sorprese.
STELARC: A volte è meglio dimenticare il passato e non desiderare il futuro. Consentire uno svolgimento nel suo tempo e con il suo ritmo, incorporando l'inatteso e l'accidentale. Un futuro non è un futuro se non è inaspettato.
2. Entrambi avete esplorato con il vostro lavoro temi che, quando avete iniziato, non erano molto conosciuti o accolti. Come è cambiato il vostro lavoro e la risposta delle persone nel corso degli anni?
Jill Orr: La mia pratica si è concentrata sulle questioni ambientali fin dai suoi inizi negli anni '70. Sono stato testimone della graduale comprensione e assimilazione della parola "ambiente", in particolare associata al cambiamento climatico, che ora è parte necessaria del linguaggio contemporaneo. Si tratta di un'evoluzione vitale, urgente e chiara di un termine appena sentito in un termine di cui sono consapevoli anche i bambini.
STELARC: C'era un interesse per l'architettura evolutiva del corpo e per il modo in cui diventa interattivo e consapevole nel mondo. Dopo aver realizzato una serie di situazioni di deprivazione sensoriale e di stress fisico e aver eseguito 27 performance di sospensione, ci si è resi conto che il corpo non solo era inadeguato, ma anche profondamente obsoleto nel terreno tecnologico che abitava. C'era il desiderio di aumentare il corpo con la tecnologia, la prima delle quali è stata la terza mano. Tra gli altri interventi vi sono stati un braccio allungato, un robot esoscheletrico a sei zampe, una testa protesica e un orecchio sul braccio. I miei amici artisti giapponesi mi ricordavano un detto dell'epoca: "alta tecnologia, bassa arte". Ora non più. È interessante notare che ora esiste un'area di ricerca universitaria sugli "Umani aumentati". Per quanto riguarda le performance di sospensione, sono ormai diffuse nella comunità delle modificazioni corporee. Non tanto in un contesto artistico, ma più per una sfida fisica e per motivi spirituali (nessuno dei quali mi preoccupa).
Stelarc
1. Quando ricorda per la prima volta di aver voluto superare i limiti del suo corpo e delle sue capacità? Quando ha introdotto per la prima volta la tecnologia come mezzo per farlo?
Non sono stato selezionato per il quarto anno all'RMIT perché non soddisfacevo i requisiti del corso di Scultura, che comprendeva fusione, intaglio, saldatura e stampaggio. Una delle prime cose che ho fatto alla Scuola d'Arte, alla fine degli anni Sessanta, è stata la realizzazione di caschi che dividevano la visione binoculare mentre si camminava, e anche di un compartimento rotante e immersivo di 3 metri di diametro per la parte superiore del corpo, che portava lo spettatore a sperimentare immagini frammentate e suoni elettronici.
2. Con l'avanzare dell'età, spesso si diventa resistenti ai cambiamenti e agli sviluppi della tecnologia. La tecnologia spaventa anche voi? Perché? Perché no?
Non credo che sia così per tutti. No, non è affatto spaventoso. Anzi, è molto eccitante. La tecnologia genera nuove informazioni e immagini inaspettate. I nuovi media sono sempre stati seducenti per gli artisti. Imparare a usare le nuove tecnologie è istruttivo ed energizzante, mantiene l'attenzione e genera nuove possibilità.
Jill Orr
1. Come fa un ragazzo di campagna a diventare uno dei più prolifici artisti sperimentali australiani del nostro tempo? Cosa l'ha ispirata a scegliere questo percorso professionale?
Da bambino ho sempre visto elfi, fate e spiriti della savana tra il fango, gli alberi e il fiume. Ho capito che esistono realtà parallele che condividono continuamente multidimensioni attraverso il tempo e lo spazio. A livello mondano ho scelto la scuola d'arte perché l'unica cosa che sapevo era che avevo bisogno di creare con le mani. Poi, mentre studiavo scultura alla scuola d'arte, ho capito che dovevo uscire dal materiale statico per entrare nel momento vivo e incarnato. Così è iniziata la mia formazione nella danza. Non sarei mai stata una ballerina di danza classica (troppo vecchia e la forma era troppo stereotipata all'epoca), ma la comprensione del movimento nello spazio e delle immagini incarnate mi ha dato la libertà. Il muscolo più grande che ho sviluppato è stata l'immaginazione, che è la fonte e l'impulso per me di rendere manifesta l'arte.
2. Lei si è esibito in tutto il mondo, perché ha scelto di rimanere qui in Australia? Come trova che il pubblico australiano risponda alle sue opere rispetto ad altri luoghi?
L'Australia è il Paese in cui sono nata e in cui sono obbligata a vivere. È il luogo in cui sono radicata e in cui comprendo la potenza di questo luogo e le questioni a cui sono in grado di rispondere in modo approfondito. Gran parte del mio lavoro è specifico per il luogo, spesso nelle regioni. Riconosco gli aborigeni e i Torres Straight Islander come popolo della First Nation australiana, la cui terra è stata brutalmente rubata e non è ancora stata ceduta. Voterò SÌ al referendum.
Come persona non indigena, ho scoperto che comprendere la mia eredità e quella dei miei antenati in relazione a questa terra è fondamentale. Hanno contribuito alla distruzione indigena e ambientale, eppure la loro condizione è anche una ricerca empatica di una Terra Promessa. Abbiamo una verità nelle nostre storie australiane che deve essere raccontata da noi. Non si tratta di un'idea nazionalistica, ma di un luogo in cui risiede una verità. Altri Paesi hanno le loro verità da raccontare.
Eseguire l'archivio
15, 16 e 22 aprile
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